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domingo, agosto 30, 2020

Documental Lemebel llega hoy a la TV abierta: “Su discurso tienen una conexión con los chilenos que va más allá de lo que uno pensaba”

Imagen: LT

Patricia Reyes
29 AGO 2020 06:32 AM


El segmento “Nuestro Cine”, dedicado a películas nacionales, exhibirá el aplaudido proyecto de la cineasta Joanna Reposi sobre la vida y obra del fallecido escritor y artista visual, Pedro Lemebel. Aquí, la realizadora habla del hecho.
Patricia Reyes
29 AGO 2020 06:32 AM
Como parte del ciclo de cine chileno impulsado por TVN en el horario prime del sábado, esta noche llega por primera vez a la TV abierta el documental Lemebel (2019), de la cineasta Joanna Reposi, y que retrata la vida y obra del destacado escritor y artista nacional, Pedro Lemebel.

“Hemos estado en distintas plataformas, pero estar en TVN, en TV abierta, de alguna manera llegas a lugares insospechados y a distintos sitios del país que nos parece súper importante, por la figura de Pedro Lemebel: por lo que él significó, por lo que él luchó, y por lo que significa que esté en TV pública. Creo que es muy coherente”, comenta Reposi a Culto.

Precisamente, hasta ahora el documental lanzado en 2019 -y premiado en instancias como el Festival de Cine de Berlín y Sanfic, ha llegado al público a través del cine y de plataformas online, obteniendo una excelente respuesta de la gente en cada instancia. “Es increíble, no nos deja de sorprender a quienes somos parte del equipo, primero el arrastre que tuvo en las salas de cine, fue el documental más visto del año”, recuerda la realizadora, y ahora en pandemia la obra ha replicado ese éxito en diferentes páginas de cine y ciclos de películas en la web. “Esto demuestra que Pedro y su discurso tienen una conexión con los chilenos que está más allá de lo que uno pensaba o imaginaba”, reflexiona la cineasta.

Reposi destaca además que esta reaparición de su documental se dé a pocos días del estreno de Tengo Miedo Torero, la ficción del director Rodrigo Sepúlveda, protagonizada por Alfredo Castro y basada en la novela del mismo nombre escrita por Lemebel, que tendrá su debut online el 12 de septiembre -y cuya primera preventa de entradas se agotó en solo media hora-.
“Me parece maravilloso, y que pase con un grande”, dice la realizadora sobre esta sintonía temporal entre ambos filmes. “Luego de su muerte aparece mi película, y luego esta ficción sobre Tengo miedo torero, para mi uno de los grandes libros de Pedro, una obra maestra. Es como si nos hubiésemos puesto de acuerdo, pero nada de esto fue así. Y Alfredo Castro con esta gran interpretación que estamos todos con ganas de ver”, analiza la cineasta.

Lo que Reposi no cree sea una coincidencia es por qué la figura del artista, fallecido en 2015, revivió a partir del estallido social. “Pedro Lemebel escribía de lo que vivía y de lo que sentía, de alguna manera no era un escritor de élite, es un escritor que conecta con las audiencias, porque creo que su pluma es una pluma muy ácida, habla de lo que nos aproblema a los chilenos, conecta muy bien con ese discurso y fue un precursor, fue de los primeros en hablar de derechos humanos, de homosexualidad y de dignidad. Él decía ’yo a la pobreza le doy brillo, la hago brillar”, expresa Reposi, y profundiza: “Cuando me preguntaban en los foros cómo podía definir a Pedro, yo decía que era una persona súper digna, en el sentido que él nunca renunció a su historia, a sus orígenes, y siempre habló desde ahí y criticó a una sociedad chilena pacata, cínica, desde siempre, desde la literatura y desde la persona, y siento que eso conecta muy bien con el estallido social, donde dijimos no más a las injusticias que estamos viviendo desde todos los ámbitos de la sociedad”.


Sobre el estreno de Lemebel en la pantalla local y a través de TVN, José Antonio Edwards, Director de Programación y Producción el canal, comenta: “Nos enorgullece y es parte de nuestra misión como canal público poner en pantalla parte de la historia reciente del cine chileno y en este caso, un documental con la obra de un gran artista de nuestro país como Pedro Lemebel, por primera vez en TV abierta y en horario Prime el fin de semana para darle más relevancia aún”.


Fuente de la información: https://www.latercera.com/culto/2020/08/29/documental-lemebel-llega-hoy-a-la-tv-abierta-su-discurso-tienen-una-conexion-con-los-chilenos-que-va-mas-alla-de-lo-que-uno-pensaba/

miércoles, julio 29, 2020

Chileno Ricardo Herrera se convirtió en el primer latino premiado en festival de cine de India (septiembre 2017)

Ricardo Herrera, actor.

PUBLICADO EL 17 de septiembre, 2017 - Cooperativa.cl
El actor nacional recibió el premio "Om Puri" al mejor actor por su papel en "El destello de la Luna".

El chileno Ricardo Herrera se convirtió esta semana en el primer actor latinoamericano galardonado en el Festival Internacional de Cine LIFFT de la India, un premio que reconoce su labor profesional y que él espera que sirva para que en Chile se valore el trabajo de la actuación.

"Lo que más me importa es promover una profesión que es muy complicada en este país, que se reconozca no solo en el ambiente artístico y cultural", explicó Herrera en entrevista con Efe.

Herrera recibió esta semana la noticia de que había obtenido el Premio "Om Puri" al mejor actor por su papel en "El destello de la Luna", un filme de Gustavo Letelier.

Fue el propio Letelier quien se lo comunicó el miércoles, pero Herrera no le creía. "¿No será muy temprano para empezar a hacer bromas?", le contestó. Porque Ricardo Herrera (Iquique, 1953) lleva treinta años metido en el mundo de la actuación, pero hasta ahora no había recibido un reconocimiento internacional.

Nacido en el campamento de la legendaria salitrera Humberstone -transformada hoy en un museo-, Herrera efectuó un largo peregrinaje hasta convertirse en actor, una trayectoria que incluye estudios en Arquitectura, Filosofía y Arte.

Finalmente recaló en la Escuela del maestro Fernando González (Premio Nacional de Teatro 2005) y de ahí, al Centro de Danza Espiral, con Patricio Bunster y Joan Jara, la viuda del cantautor Víctor Jara, donde acabó impartiendo clases de expresión corporal y actuación.

Algunas incursiones en el cine y en televisión con la serie "Prófugos", producida por HBO Latinoamérica, hasta llegar al filme de Letelier que le ha valido el reconocimiento en un país como la India, que ha desarrollado una potente industria cinematográfica que es casi desconocida en Occidente.

"Fue muy extraño y sorprendente saber que un actor latinoamericano había ganado por primera vez un premio en ese festival", confiesa a Efe. "Me sentí impresionado y orgulloso".

Y aunque desde un principio trató de "poner los pies en la tierra", espera que este galardón, otorgado por el Festival LIFFT en conjunto con la Fundación Om Puri, sirva para que se promueva y reconozca su trabajo.

"El destello de la Luna", una coproducción chileno-británico-argentina que inicia ahora su distribución internacional, fue grabada en 2016 y está basada en la obra de teatro "Luna, tú eres mi sol", del dramaturgo chileno José Yovane, recientemente fallecido.

La película cuenta la historia de dos actores que son llamados para participar en una obra de teatro de travestis con la que el personaje que interpreta Herrera no está conforme, pero que poco a poco le va seduciendo, por su humanidad.

El papel le llegó después de colaborar con Letelier en el desarrollo del guión de la película. Acabó tan metido en el proceso, que el director le propuso que interpretara a uno de los protagonistas y él aceptó.

Al igual que su personaje en el filme, Ricardo Herrera también dudaba de asumir un papel de esa naturaleza, pero a medida que fue metiéndose en su piel, acabó cautivado por su humanidad, el abandono, la sensibilidad.

"Mi personaje termina valorando sus propias ausencias. Existe en él la capacidad de redimirse y eso me fascinó muchísimo. Logra hacer el tránsito de un ser dolido, acabado y soñador, a encontrar su humanidad y grandeza interior", expresa.

Del desafío inicial, Herrera terminó comprendiendo la complejidad de un personaje que ha sido capaz de "abrirle la mente" como actor.

"A veces, lo único que está esperando el personaje es que aparezca un actor que sea capaz de contenerlo. Ése es quizás mi orgullo, haber logrado hacerlo", confiesa.

A juicio de Ricardo Herrera, Chile debería potenciar más la cultura. "El alma de una nación -dice-, depende absolutamente de cómo se maneja la cultura, desde la creación hasta el financiamiento o la producción".

"Los ámbitos cultural y científico son rasgos de nuestra identidad que están en baja consideración, a pesar de que son los que mueven el alma de un país. Cuando estas cosas no están presentes, se rompe el tejido social", apunta.

Por ello, confía en que el reconocimiento internacional que está teniendo actualmente el cine chileno ayude a que se produzcan más películas y que el país se proyecte hacia el exterior.


Y ahora que Chile está inmerso en un proceso electoral, "muchos artistas de diferentes referentes estamos tratando de pelear para conseguir que la cultura sea considerada de verdad como un aspecto político y social de importancia vital para cualquier Gobierno", concluye.

Fuente de la información: https://www.cooperativa.cl/noticias/site/artic/20170917/pags-amp/20170917095544.html

Homenaje a José Yovane (abril 2018)

 


PUBLICADO EL 23 DE ABRIL DE 2018 por Fundación Entepola

Trabajos nos invitan a ser partícipes de la historia desde una mirada crítica y social.

“Los pájaros mojados”, “Luna tú eres mi sol” y Quijote”, serán las tres obras que se podrán ver en el mes de julio en el Centro Cultural de España.

 

Quién fue José Yovane, sin duda una pregunta que tiene respuesta desde lo humano. Este dramaturgo nacional fue un escritor recio, jamás dejó que sus ideas fueran manipuladas por otros que no pudiesen leer la humanidad que destilaban sus textos. Un poeta de la luz que hizo de su palabra un camino por recorrer. Vivió en el Chile convulsionado del presidente Allende y sufrió la dictadura del general Pinochet como tantos jóvenes de los años 70. Fue amigo de Víctor Jara cuando estudiaba teatro en la Universidad de Chile. Y supo de persecuciones y cárcel en momentos tan difíciles que vivieron nuestros hermanos chilenos durante muchos años. Este extenso recorrido ha sido suficiente para que tres directores teatrales encabezados por su sobrino Patricio Yovane, Sebastián Squella y Juan Pablo Martínez preparen un homenaje para este trovador teatral que pese a los años aún sigue en la memoria colectiva de los que amamos el teatro.

 

Al respecto Patricio Yovane quién dirigirá “Los Pájaros Mojados” destacó el sentido de esta obra y la calificó como una obra maestra “Es una obra que tiene un nivel de profundidad muy grande, logra una simpleza muy difícil. Es un trabajo que esconde mucha sabiduría, siendo el choque de dos formas de vida y que nos hace reflexionar e ir a lo más profundo del ser humano. Para mí esta obra raya en lo que podría ser una obra maestra ya que está llena de poesía. Todo esto viene porque los personajes se conectan con el flujo de pensamiento”, expresó.

 

“El Quijote” y “Luna tú eres mi sol” son dos obras que también se están preparando para honrar la memoria del incombustible José “Pájaro” Yovane.

 

Para Sebastián Squella director de la obra “El Quijote” esto representa un honor que el público sabrá darle el crédito que se merece “Este trabajo nos invita a la amistad que necesitamos restablecer para vivir como lo que somos… hermanos. Es una pieza  única que merece ser vista, honrada y aplaudida en todos los escenarios del mundo”, enfatizó.

 

En esta línea Juan Pablo Martínez encargado de darle vida a la obra “Luna tú eres mi sol”, tildó este trabajo como una historia que sin duda mostrará el lado humano de la sociedad “Este obra aborda la discriminación, y presenta la historia de dos travestis amigas, quienes viajan por estados emocionales que las llevan de la risa al llanto, mostrando el lado humano de quienes por lo general, son miradas en forma despectiva por la sociedad”, argumentó.

 

Cabe destacar que las obras se están ensayando en la sede de Fundación Entepola ubicada en  la calle Manuel Rodríguez 4245 en la comuna de Macul.

Fuente de la información: https://www.fundacionentepola.org/preparan-homenaje-a-jose-pajaro-yovane/

viernes, julio 24, 2020

Obra de teatro online enseña a vecinos a resolver conflictos en cuarentena


Por Carlos Martínez -27/06/2020
En formato acceso gratuito, el proyecto -que acaba de lanzar su segundo capítulo-, apunta no sólo a entretener al público, sino también a favorecer la comunicación, la empatía y colaboración, como herramienta para resolver los conflictos que surgen en las comunidades en medio del confinamiento.

La cartelera de teatro online ha sumado una serie de obras que apuntan a acercar la cultura y la entretención de las personas en casa. “Comunidad exitosa” es una de las ofertas disponibles que además pretende ser un aporte para las comunidades de vecinos que están enfrentando problemas y conflictos a raíz de las cuarentenas, y que nace al alero de una consultora experta en capacitación y cambios conductuales que desarrolla sus cursos a través de su propia compañía de teatro, la cual ha debido reinventar para poder llegar de manera remota a su público.

“Desde nuestro rol social como capacitadores y formadores, queremos divulgar que la cultura es parte fundamental para desarrollar una sociedad sana, que la cultura que no duerme, sino que está pensando y produciendo de otra maneras. Para nosotros es fundamental llegar de manera gratuita para acompañar y apoyar a los chilenos en estos momentos de pandemia social, económica y psicológica”, explica Patricio Reyes, director de Consultora R-Yes.

En la obra, los personajes interactúan simulando una reunión por Zoom, representando las distintas realidades dentro de una comunidad y reflejando las preocupaciones, anhelos y desencuentros que ocurren al interior de un condominio o edificio, como el desinterés, la sensación de inseguridad o abandono, la deuda de los gastos comunes, entre otros.  “Acabamos de lanzar el segundo capítulo, donde los conflictos van decantando desde un punto de vista que privilegia la colaboración, reciprocidad, la vinculación y las propuestas de salida, herramientas que también son válidas para enfrentar cualquier dificultad en la vida”, señala Patricio Reyes.

La obra cuenta con el patrocinio de la Cámara de Integración Chileno-Mexicana de Comercio y la Asociación Gremial de Administradores de Condominios y Edificios, y se difunde periódicamente por el canal de YouTube y redes sociales de R-Yes Capacitaciones como parte de su campaña #YoMeQuieroYoMeCuido #YoMeQuedoEnCasa, que fomenta la responsabilidad, el autocuidado y el distanciamiento social como conductas vitales para vencer la pandemia.

En esta obra de teatro buscamos un lugar físico y el tema donde pudiéramos tocar aspectos de comunicación, empatía, asertividad, cuidado del bien común, cesantía, los abuelitos y la vocación de servicio; representada en una enfermera.
El conserje es un SER (Servicio, Excelencia y Respeto) que se olvida de si para estar en constante servicio a la comunidad y representa la resilencia, que a pesar de las dificultades se vuelve a parar, incluso más fortalecido.
El teatro y la capacitación nos adaptamos a las nuevas tecnologías y a la necesidad de llevar un mensaje de vida y formación a los trabajadores y sus familias.
Disfrútenla junto a los suyos!!

sábado, marzo 25, 2017

El adiós a Edgardo Bruna, uno de los actores más emblemáticos de la TV chilena

Edgardo Bruna- EMOL

El intérprete de recordados personajes como el "Renacuajo" de "Tic Tac" y "Don Clinton" de "Amores de Mercado" falleció este domingo a los 70 años. Su versatilidad como artista y su lucha por los derechos de sus colegas quedarán en la memoria de quienes lo conocieron en persona y a través de la pantalla.
SANTIAGO.- El fallecimiento del actor Edgardo Bruna no sólo ha generado conmoción en el ambiente artístico nacional, sino que también en aquellas personas que pudieron conocer al intérprete a través de su trabajo en las tablas, el cine y especialmente en la televisión. Roles como el "Renacuajo" de "Tic Tac", el poderoso y clasista Fernando Guerra de "Aquelarre" y "El Rey de Mote con Huesillo" en "Purasangre", lo transformaron en un símbolo de las teleseries chilenas de los años noventa y principios del 2000. Pero sin duda, su personaje más icónico es el carismático "Clinton", de la exitosa producción de TVN "Amores de Mercado". "Hasta siempre Don Clinton" se repetía en varios mensajes publicados esta tarde en las redes sociales, luego de que el Sindicato de Actores y Actrices de Chile confirmara la noticia de su fallecimiento.

Los usuarios de Twitter aplaudieron la versatilidad del artista que por más de tres décadas se dedicó a las teleseries. Su más reciente trabajo en televisión se pudo ver en el año 2015 en la producción de Mega "Eres mi tesoro".

Sus roles en las tablas y en el cine —aunque fueron menos masivos que los de la pantalla chica— también destacan en su extensa trayectoria. Su incansable vocación política Pero, Edgardo Bruna, no sólo será recordado por su faceta de actor, sino que también por su compromiso social que lo llevó a liderar organizaciones como el Sindicato de Actores y Actrices, y la Asociación Nacional de Artistas. Esta vocación se forjó desde su juventud. En la década de los 60 partió a Estados Unidos para vivir en carne propia el movimiento hippie, pero decidió volver en 1971 para poder estar presente en el Gobierno del Presidente Salvador Allende. Posteriormente, tras el golpe de Estado, partió rumbo a México en donde estuvo por cinco años.
Con el pasar del tiempo su compromiso se mantuvo y decidió militar en el Partido Progresista. Además, probó suerte postulando como Consejero Regional por las comunas de Maipú, Cerrillos y Estación Central en el 2013. Sin embargo no consiguió los votos para poder desempeñar ese cargo. Desde Chile Actores indicaron que Bruna será despedido el lunes 20 de marzo, desde las 10:00 horas, en el Sindicato de Actores de Chile, ubicado Ernesto Pinto Lagarrigue 131 (Barrio Bellavista).

Fotos: Fuente de la información: Escribe a mi e-mail kalbun1_@hotmail.com
Fotos Galería: http://www.t13.cl/galeria/tendencias/fotos-despedida-grande-asi-fue-ultimo-adios-al-destacado-actor-edgardo-bruna 

Escribe a mi e-mail kalbun1_@hotmail.com

viernes, marzo 24, 2017

Encuentro Internacional de Teatro en Chillán – ENTEPACH 2017

16 de enero 2017
chillanense.cl
Un nuevo verano, una nueva versión del Encuentro Internacional de Teatro (ENTEPACH) en su versión 22 se realiza en Chillán desde el 16 al 21 de enero.
Compañías de Australia, Argentina, Colombia, Ecuador, México, Honduras y de lo largo de Chile llegarán a Chillán para ofrecer de forma gratuita su arte.
Las obras tendrán la oportunidad que las versiones anteriores no tuvieron la suerte. Utilizar el Teatro Municipal como centro de las presentaciones. En tanto el primer nivel del Mall Plaza Arauco será otra pista donde se verán las obras gratuitas.
Desde la organización recalcan que todas las funciones son gratuitas, sin reservas ni retiro de invitaciones, por lo tanto, el acceso será solo por orden de llegada. En la tarde, las puertas del teatro se abrirán a las 19:00 hrs. Una vez iniciada la obra (20:00 hrs) se cerrará el acceso para no interrumpir las obras de teatro.
Cada día, a partir de las 20:00 hrs las obras son dirigidas solo a público adulto. Las obras para los más pequeños será presentadas durante las mañanas.

TALLERES

No solo de obras se trata ENTEPACH, también está la oportunidad para realizar alguno de los 3 talleres gratuitos que trae esta versión.
– Actuación (Brecht)
– Risoterapia
– Dramaturgia

Se desarrollarán el día martes 17 a las 10:00 hrs. En la Sala Claudio Arrau (2do piso teatro Municipal) estará el Taller de Dramaturgia y en el 3er piso del mismo Teatro, sala Quinchamalí, el Taller de Risoterapia, el de Actuación, estará en la Sala de los espejos en el Centro de Extensión de la UBB.
Fotos: Fuente de la información: https://chillanense.cl/encuentro-internacional-teatro-chillan-entepach-2017/
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lunes, noviembre 07, 2016

A los 90 años fallece el destacado dramaturgo Egon Wolff


3 de noviembre, 2016
La Tercera.com
El deceso fue confirmado por el ministro presidente del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes.
A los 90 años falleció hoy el destacado dramaturgo nacional Egon Wolff. El deceso fue confirmado por el ministro presidente del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes. “Nuevamente un gran dramaturgo y premio nacional nos deja. Muchas gracias don Egon Wolff por el inmenso aporte al teatro chileno”, sostuvo el secretario de Estado en su cuenta de Twitter, y añadió: “Autor de “Los invasores” obra cumbre del teatro nacional. Un grande de nuestras tablas nos ha dejado. Todo nuestro cariño a su familia”.

En 2013, Wolff obtuvo el Premio Nacional de Artes de la Representación y Audiovisuales de Chile.

El dramaturgo, de profesión ingeniero químico, es autor de cerca de una veintena de obras, entre ellas Flores de papel, Mansión de lechuzas y La balsa de la medusa. La versión original de Los invasores, en 1963, fue dirigida por Víctor Jara y con Tennyson Ferrada y Bélgica Castro en su elenco, tuvo una feroz polémica por el retrato del antagonismo de clases que presenta. En total, sus obras han sido montadas en una treintena de países.

Wolff completó la carrera de Ingeniero químico en la UC, e incluso trabajó en el estudio de algas marinas chilenas, pero a poco andar enfermó de tuberculosis y debió radicarse en Quilpué, donde conoció al actor de teatro chileno Eugenio Guzmán, quien en esos años protagonizó la obra de Arthur Miller “La muerte de un vendedor”. “Ahí me enamoré del teatro. La fui a ver diez veces, me conseguí los textos y con una falta de modestia impresionante me dije: esto lo puedo hacer yo. Ahí me embarqué en el teatro”, le confesó a Revista Réplica.

La carrera del dramaturgo tomó forma en el Teatro Experimental de la Universidad de Chile, donde Wolff desarrolló un estilo muy original, con giros argumentales y donde usó una constante en varias obras: repetir la escena al inicio y final, lo que daba un sentido especial a los textos.

Perteneciente a la “Generación del 50”, junto a Fernando Cuadra y Sergio Vodanovic, entre otros, Wolff debutó con “Mansión de lechuzas” (1957) y fue muy prolífico en la primera parte de su carrera. En 1970, su obra “Flores de Papel” recibió en 1970 el Primer Premio en el concurso Casa de las Américas de La Habana, Cuba, y tuvo versiones en EEUU, Argentina, México, Inglaterra y Francia.

Otros premios obtenidos por Wolff son el Primer Premio por “Parejas de Trapo” en el Concurso Teatro experimental de la Universidad de Chile (1959). En 1960 recibió la beca Fullbright para asistir a la Universidad de Yale con un montaje en inglés de la obra “Niñamadre”.

Las obras de Wolff abordan temas sociales, de política contingente y con componentes existencialistas. Como el conflicto entre clases sociales, -el eje de su obra Los invasores-, y las fracturas familiares y generacionales y la decadencia social.

“Mi obra más conocida surge en un período condicionado por un pensamiento político y social, como se refleja en Los invasores o Flores de papel. Había agresividad en esas obras, una protesta por cómo se daban las cosas (y se siguen dando). Pero luego de la muerte de mi mujer (1995), me cambió el espíritu y me reconcilié con muchas cosas y entré en un período largo de tolerancia, que se refleja en mis últimas obras. En estos momentos estoy reconciliado totalmente con el mundo”, le contó en 2011 a La Tercera.


Sus últimas obras estrenadas son Claroscuro (1995), Tras una puerta cerrada (2000) y Encrucijada (2000), tras lo cual se recluyó para dedicarse a la pintura en su casa de Calera de Tango. Volvió al primer plano con el exitoso remontaje de Los invasores, en 2012.

Fuente de la información: http://www.latercera.com/noticia/los-90-anos-fallece-destacado-dramaturgo-egon-wolff/
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miércoles, octubre 19, 2016

El multitudinario adiós a Juan Radrigán en el Teatro Nacional


Autor: Tomás Carabantes
La sala Antonio Varas se llenó para rendir homenaje al autor de "Hechos Consumados", sus funerales serán esta tarde en el Cementerio Parque El Manantial de Maipú.
Cientos de personas abarrotaron el Teatro Nacional para despedir a Juan Radrigán durante los homenajes que se celebraron esta mañana.

El autor de “Hechos Consumados” falleció este domingo a los 79 años producto de un cáncer al pulmón

Un video biográfico y la interpretación musical de un pasaje de “Fantasmas Borrachos” dieron inicio al homenaje a las 10.00 horas de este martes 18 de octubre.

El mundo teatral nacional lamenta la partida de uno de los más influyentes escritores de los últimos tiempos. La obra de Radrigán marcó un antes y un después en los escenarios criollos. Una nueva forma de mostrar e interpretar a los chilenos comunes, olvidados y marginados de nuestra sociedad.

Durante el homenaje se pudo ver su ataúd sobre el escenario de la sala Antonio Varas cubierto de flores, bajo la tenue luz de unas lámparas que simulaban ser cirios y la proyección sobre el telón que repasó, una y otra vez, imágenes del célebre dramaturgo.

Poco a poco fueron desfilando actores, amigos, familiares y autoridades, que entre discursos, anécdotas e interpretaciones se despidieron del ganador de dos premios Altazor y del premio Nacional de Artes de la Representación en 2011.

Extractos de sus obras, música, palabras y aplausos llenaron la sala Antonio Varas durante las casi tres horas que duró la despedida del dramaturgo.


Los homenajes terminaron con los aplausos de todos los asistentes al Teatro Nacional, quienes salieron a la calle para acompañar al autor camino a Maipú, dónde serán sus funerales en el Cementerio Parque El Manantial.

Foto: http://www.elmostrador.cl/cultura/2016/10/16/el-teatro-esta-de-luto-muere-dramaturgo-juan-radrigan/
Fuente de la información: http://www.latercera.com/noticia/multitudinario-adios-juan-radrigan-teatro-nacional/
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martes, septiembre 29, 2015

¿Qué es el Kamishibai?

Kamishibai (紙芝居?), literalmente significa "drama de papel".
Es una forma de contar historias que se originó en los templos budistas de Japón en el siglo XII, donde los monjes utilizaban emaki (pergaminos que combinan imágenes con texto) para combinar historias con enseñanzas morales para audiencias mayormente analfabetas. Se mantuvo como un método para contar historias durante varios siglos, pero posiblemente se le conozca más por su renacimiento en los años 1920 hasta los años 1940.

El gaito kamishibaiya, o cuentista golpeaba dos pedazos de madera comúnmente unidos por una cuerda, llamadas hyoshigi, para anunciar su llegada a las diferentes villas. Los niños que compraban dulces a los gaito kamishibaiya tomaban los primeros asientos al frente del escenario. Una vez ubicada la audiencia, gaito kamishibaiya contaba varias historias utilizando para ello un pequeño escenario de madera que en la mayoría de los casos poseían muchos detalles artesanales en el que se insertaban ilustraciones que se iban removiendo a medida que se contaba la historia. Las historias eran a menudo series de cuentos cuyos nuevos episodios eran contados en cada visita a las villas.
Hyoshigi, instrumento utilizado por los gaito kamishibaiya o cuentistas de Kamishibai para anunciar su llegada.


El resurgir del Kamishibai se puede asociar a la gran depresión de los años 1920 donde se convirtió en un medio en el cual los desempleados podían ganar una pequeña cantidad de dinero. La tradición fue en gran medida suplantada por la llegada de la televisión entrado en los años 1950 pero fue recientemente revivida en las bibliotecas japonesas y escuelas elementares.

Kamishibai en la red

El Kamishabai también se puede encontrar en formato digital para ser visto en un computador. Lepisto y Jennifer Diane Reitz de Accursed Toys crearon una versión computarizada de esta forma de arte. Cualquier persona puede descargar gratuitamente el programa y crear su propia historia o descargar el trabajo de otros autores. El programa difiere del kamishabai original por la posibilidad de hacer uso de animaciones, música en formato midi y otros efectos de sonido. 
La mayoría de las historias en esta variante usan el estilo de dibujo y de contar la historia del manga y anime incluyendo la gama de géneros que se puede encontrar en estos.


Fotos: https://bibliotecadeallo.files.wordpress.com/2012/01/kamishibai.jpg - http://portal.chillanonlinenoticias.cl/wp-content/uploads/2015/05/CAM05747-800x600.jpg
Fuente de la información: https://es.wikipedia.org/wiki/Kamishibai
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jueves, julio 09, 2015

Nos dejó la siempre bella Peggy Cordero

09 de julio 2015
POR 24HORAS.CL TVN
El cine, teatro y la televisión chilena está de luto.

La madrugada de este jueves falleció la destacada actriz Peggy Cordero, información fue confirmada por el Sindicato de Actores (Sidarte), a través de su cuenta de Twitter, aún no se conocen las causas del deceso.

Cordero se destacó como una de las primeras vedettes de nuestro país y fue parte en la revista Bim Bam Bum. A sus 79 años aún permanecía activamente actuando, el domingo había participado en una obra del teatro Ictus.

La artista destacó por su dilatada trayectoria en la pantalla nacional, trabajando en series y teleseries de Televisión Nacional de Chile junto a sus pasos por Canal 13 y Mega.

Dentro de sus intervenciones más recordadas se encuentran sus actuaciones en las producciones 'El padre Gallo' (1970)  'La Amortajada' (1971), 'Tic Tac (1997)' y 'Borrón y cuenta nueva' (1998).

Asimismo, desde la década de los 60 que fue una protagonista activa del teatro nacional, disciplina en la que incluso formó parte hasta sus últimos días.

Precisamente sus colegas destacaron la constancia de la actriz, sobre todo por su papel en el montaje  "Las chiquillas van a la pelea" presentada el pasado domingo en el teatro Ictus.


El Sindicato de Actores (Sidarte) señaló que "sus restos serán velados a partir de hoy, a las 16:30 horas en SIDARTE ubicado Ernesto Pinto Lagarrigue 131, Recoleta y mañana, en el mismo lugar, se le rendirá un homenaje a las 12 horas".


VER: Última entrevista en Cara a Cara de Canal La Red: http://lared.cl/2015/seleccion/fallecio-la-actriz-peggy-cordero  (Resumen en programa Intrusos)
Fotos: 24horas.cl y otras fuentes de internet
Fuente de la información: http://www.24horas.cl/tendencias/el-adios-de-una-grande-fallecio-la-destacada-actriz-nacional-peggy-cordero-1720738
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martes, febrero 03, 2015

Entepach 2015 cerró con récord de funciones en Ñuble

20 de enero, 2015
Por Cristóbal Vaccaro - ladiscusion.cl
Más de 70 funciones en seis comunas de Ñuble, 25 compañías de Latinoamérica y Europa y un público aproximado de 600 personas diarias, fue el resultado de la vigésima versión de Entepach.

Sin embargo, estas auspiciosas cifras ocultan una realidad que, desde el lanzamiento de la actividad, fue comentada por los actores y cultores que participan del encuentro: la falta de financiamiento.

Viviana Moscoso, directora del Entepach, celebró la colaboración de la audiencia que, a su juicio, participó activamente de las funciones que este año se extendieron hasta pasada la medianoche.

Quirihue, San Carlos, El Carmen, Pinto y Cobquecura también se sumaron a la celebración teatral, recibiendo hasta dos obras que tuvieron una masiva concurrencia.
Sylvia Santelices fue homenajeada en la 20° versión 2015

“Agradecemos el compromiso y el afecto de la gente de Chillán y las comunas de Ñuble que pudieron presenciar las obras”, expresó la gestora, que también expresó la gratitud de las compañías visitantes, que pudieron compartir y enriquecer sus conocimientos en las distintas actividades desarrolladas.

“Desde el punto de vista de las funciones y las comunas que abarcamos este año, es el doble de lo que se hizo en la versión 2014”, enfatizó Moscoso.

Atomización
 Si bien las cifras en torno a la audiencia que participó de Entepach 2015 son celebradas por la organización, Moscoso puntualizó que existió una baja en relación al año pasado. La cultora explica que esto se debe, principalmente, a que hubo dos días de fin de semana donde la gente sale de Chillán, pero también apunta sus dardos al municipio.

“Aquí hubo mucha descoordinación, puesto que el programa de verano incluyó muchas actividades en una misma fecha, lo que atomizó a la audiencia chillaneja, que se dispersó en los variados espectáculos que se ofrecieron durante la semana”, criticó la directora del Encuentro.

Moscoso celebró la apertura del menú de actividades culturales en la ciudad, pero conminó a las autoridades a generar instancias de coordinación para concentrar a la audiencia y conseguir una mayor masividad a las actividades.

Otro punto crítico para Entepach es a difusión. “Debo hacer un mea culpa, y es que este año nos vimos colapsados y no supimos generar una buena convocatoria”, sentenció la dirigenta.

Relató que no fueron pocas las ocasiones donde el público llegaba atrasado o sin conocimiento respecto a la realización de las funciones.
experiencia teatral

Entepach no solo es un espectáculo para el público, sino también, de acuerdo a Viviana Moscoso, una experiencia para los actores y directores de las 25 compañías que llegaron desde países como Argentina, Colombia y España, para empaparse de la realidad del teatro chileno y compartir visiones respecto a la situación global.

“Los talleres fueron un éxito, especialmente los de teatro clown para niños. También hubo instancias donde los directores pudieron relatar su experiencia sobre las tablas aquellos que están comenzando”, comentó.

Pagar por teatro 
Pese a que la actividad tuvo números positivos en cuanto a audiencia y cantidad de funciones, a la hora de analizar el trasfondo económico la organización reconoce que hay déficit. “Este año el presupuesto no nos alcanzó”, sentenció Viviana.

De acuerdo a los análisis que han realizado al interior de la organización del encuentro, es muy probable, indica, que las versiones venideras deban contar con financiamiento, ya sea privado o estatal, pero además con un aporte del público.


“Hay que retribuir el trabajo y el esfuerzo que hacen las compañías de Chile y el mundo que vienen a Entepach. Algunas incluso tuvieron que ‘pasar el sombrero’ para costear algún refrigerio y parte de sus gastos de estadía”, concluyó la organizadora.


Fotos: Chillán Humano - Facebook Intercomuna Chillán-Chillán Viejo
Fuente de la información: http://www.ladiscusion.cl/index.php/vidaycultura/vidaycultura1110121213/cultura631336175/42199-entepach-2015-cerro-con-record-de-funciones-en-nuble
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sábado, enero 24, 2015

Pedro Lemebel: La vida de un artista contestatario que no se abatió por el cáncer

En horas de la madrugada de este viernes 23 de enero 2015, sus amigos cercanos confirmaron el deceso del escritor, cronista y artista plástico nacional afectado por un cáncer a la laringe desde 2011.

POR DANIELA TORO - 24HORAS.CL
En horas de esta madrugada de este viernes se conoció el deceso del escritor, cronista y artista plástico nacional, Pedro Mardones Lemebel.

Hasta ahora no está confirmada la causa de su deceso, que se produce en medio de su enfermedad de cáncer a la laringe, la cual lo afectaba desde 2011, producto de lo que él mismo reconoció: "el cigarro y los excesos".

La segunda operación a su garganta fue la que prácticamente lo dejó sin habla, pero que no le impidió continuar escrbiendo.

Su obra literaria aborda temas de marginalidad chilena, aunque utilizaba ribetes autobiográficos haciendo énfasis a la narrativa contestataria y con tónica homosexual.

Lemebel también incursionó en la política, aunque su inserción en la militancia de izquierda fue problemática, debido a que su homosexualidad no fue bien recibida. Aún así, plasmó en sus obras su ideología y orientación de izquierda.

"Tengo Miedo Torero", publicada en 2001, fue su primera novela que logró alcance internacional, siendo traducida al inglés, francés e italiano, aunque no consiguió premio literario por su escrito, aunque sí fue nominado al Altazor.

A pesar de ello, Lemebel consiguió importantes nominaciones como el Premio Nacional de Literatura, y obtuvo premios importantes a nivel nacional como la Beca Guggenheim y el Premio José Donoso.


Hoy en día, su obra se considera un legado de la rebeldía y la literatura contestataria y homosexual, y forma parte de la escritura de autor que marca una época de narrativa que logró abarcar parte de hispanoamérica con su mensaje.

Vídeo publicado el 23/01/2015 Última aparición pública del escritor y artista visual Pedro Lemebel, en el marco de Tocatas Mil del festival Santiago a Mil. 'Noche macuca' resultó un emotivo homenaje de su público y sus amigos, en el que participaron las actrices Peggy Cordero, Patricia López y Vanessa Miller; los músicos Chinoy y Fernando Ubiergo; y el escritor Juan Pablo Sutherland, entre otros. Fotos: Fundación Teatro a Mil
Fuente de la información: http://www.24horas.cl/tendencias/cultura/pedro-lemebel-la-vida-de-un-artista-contestatario-que-no-se-abatio-por-el-cancer-1564342
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jueves, septiembre 25, 2014

El teatro hispanoamericano: Raíz india y tronco polifacético

Por Dolores Martí de Cid - circulodeculturapanamericano.org

Al hablar de la raíz precolombina no estamos simplemente enunciando una frase. Estamos tomando la frase en toda su extensión semántica. Es que significa algo tan tangible y positivo que no se puede señalar a la ligera ni enfocarse como una conjetura, sino como un caso plenamente comprobado. La raíz india del teatro hispanoamericano es remotísima. En los pueblos mayances está presente en los diálogos del Popol Vuh, su libro sagrado. Cuando nos ocupamos del origen, es necesario señalar que tenemos en la mente los grandes núcleos de las culturas más avanzadas: la nahoa-azteca, la de los mayas y la de los pueblos pre-incas e incas, que ciñéndonos a lo que se conoce hasta ahora, cubren una extensión geográfica que va desde el sur de los Estados Unidos hasta la provincia de Mendoza en la Argentina. Estos pueblos eran de culturas tan avanzadas que en algunos aspectos, cuando se produce el descubrimiento en 1492, tenían un adelanto superior a los pueblos de mayor cultura de Europa. Ya se ha probado que más de la mitad de todos los productos agrícolas que comemos hoy en día se le debe a estos indios de América. Según arqueólogos de categoría como Alfred Louis Kroebel, los mayas fueron los primeros en tener el concepto del cero en su sistema vigesimal, pues estaban a la cabeza tanto en matemáticas como en astronomía, y en la región de los incas se practicaba la trepanación del cráneo hacía cientos de años, cuando en Europa no se pensaba remotamente en ella. Todo esto nada más para señalar un mínimo de factores en estas avanzadísimas civilizaciones. Pensando en el desarrollo histórico (aparte del teatro precolombino) cuando se descubre América en 1492, estamos en España en la transición del teatro medieval hacia el teatro del Siglo de Oro que se irá manifestando paralelamente a medida que se afianza la conquista (no olvidemos que Lope de Vega nació en 1562).

Los sacerdotes promueven el teatro catequístico para la divulgación del catolicismo haciendo que se representen obras en español y en las lenguas regionales. En los colegios de los jesuitas se montan piezas en latín. Por supuesto que la presencia potente del gran teatro español se hace sentir, al principio, en los virreinatos de México y Perú, y después en el resto de Hispanoamérica. El barroco español cala muy hondo en la literatura y en las artes plásticas, cala muy hondo porque se une al barroco indio. En el período neoclásico, hay una voluntad decidida de los comediógrafos hispanoamericanos hasta la traducción de las tragedias, principalmente de autores franceses y de otros países (como en el caso del italiano Vittorio Alfieri) para expresar por boca de los personajes las palabras que querían oír en su lucha por la independencia de España.

La influencia italiana, en el Río de la Plata sobre todo, es bien determinada y determinante y crea modalidades, como en el caso del grotesco en la Argentina, influido por el italiano pero con personalidad propia.

En el siglo XX, después de las dos guerras mundiales, vienen inmigrantes y refugiados de distintos lugares de Europa y hasta de Asia. En la ciudad de Buenos Aires, llegó un momento en que se representaban obras en italiano, francés, inglés, alemán y yiddish.

Aspectos filológicos del teatro.

Vamos tener en cuenta primero algunos aspectos filológicos para entrar de lleno después en el teatro como género literario. Tomaremos en consideración la indumentaria y los locales. Si nos ocupamos primero, con un criterio comparativo teniendo en cuenta a teatros muy antiguos, vemos que existen coincidencias notables, (nosotros no podemos hablar de influencias, quede eso para los arqueólogos). En nuestras investigaciones en Centroamérica con referencia al Baile de los gigantes, pudimos constatar que el susodicho baile (obra antiquísima cuyo origen se remonta al Popol Vuh) se ha clasificado como parte del folklore erróneamente. (En las piezas de los tres núcleos culturales que acabamos de mencionar, por lo general la música y la danza se unen a la parte hablada). Pues bien, en esta obra se han perdido los diálogos y se han conservado la música y el baile en casi todas las tribus mayances. Pero en la tribu de los Chortís (que conservan formas más arcaicas) se siguen representando las partes habladas.

Todo esto nos permite demostrar la estructura de la obra teatral primigenia fraccionada con posterioridad en otros lugares. Nos encontramos en ella con un detalle bien curioso en referencia a los trajes, aunque de forma europea, el Rey lleva los cuatro colores rituales: rojo, blanco, amarillo y azul, mientras que el Gigante Negro viste de azul con franjas amarillas. Los verdaderos protagonistas son dos jóvenes que representan a los gemelos redentores del Popol-Vuh: Xunapú e Ixbalanqué, cuyo nombre cambia en la colonia, y como en algo se parece su historia a la del David bíblico, el indio les llama Gavites. Uno de ellos representa a la Luna, el más joven, y el otro al Sol. El primero viste de amarillo y lleva un velo nada menos que con 24 dibujos rectangulares, catorce de color oscuro y diez de color claro. El Gavite solar viste pantalones rosados con una blusa blanca y las mangas también rosadas. Tiene triángulos en el ruedo del pantalón. Es decir, que los trajes simbolizan lo que significa el personaje dentro de la trama y no se ocupan de reconstruir modas regionales o de tradición histórica… En la China, en el teatro tradicional, los trajes son los correspondientes a la antigua dinastía; pero, por otro lado, el color señala un aspecto del personaje: su carácter, su edad o condición sicológica; y así el blanco representa al traidor, el negro a los simples y rectos, el amarillo al astuto, el rosa es el color de los viejos, el azul el de los crueles, y el verde el del demonio. El Noh japonés reproduce los trajes de la clase noble de la época medieval, que es algo así como una especie de sobretodo cruzado por delante. Si lleva una ancha franja en la cintura es que se trata de un personaje noble. Sin la franja puede ser el fantasma de una dama de la corte o una bailarina, y si lleva enrollada la manga derecha es un guerrero.

Con referencia a los locales para la representación, en la ciudad de Tenochtitlán (Capital de México) se encontraron las ruinas de dos templos gemelos con lugares para representar: uno dedicado al Dios Tlaloc (el de la lluvia) y otro a Huitzilopochtli (el de la guerra). En Yucatán la extensa plaza de la bellísima ciudad de Uxmal era centro de ceremonias. Y también en Chichén-Itzá, la Plaza del Juego de Pelota, de forma rectangular, cuyas magníficas condiciones acústicas han sido bien confirmadas. Y en el Perú el amplio anfiteatro de Kenko, para no citar más que unos pocos. Y ya que de locales se trata, vamos a recordar que durante la época colonial en México se construyeron en algunos lugares las llamadas “capillas abiertas” para albergar al gran número de indios que asistía a las funciones. Eran una especie de techo prolongado desde la Iglesia, sin paredes laterales.

En la Edad Moderna, al hacer los estudios sobre los locales cerrados en Europa, se ha llegado a la conclusión de que el primero se construyó en Italia, en la ciudad de Ferrara, en 1531. En la misma centuria, en 1568 el “Corral de la Pacheca”, en Madrid, inicia sus representaciones. Pero no es sino mucho después, en 1748, que se convierte en verdadero local de teatro desde el punto de vista arquitectónico. En Hispanoamérica el erudito peruano Guillermo Lohmann Villena nos explica que a fines del siglo XVI en Lima hubo “…patio de la representación de las comedias”1 y por su parte el acucioso investigador del teatro en México, Enrique Olavaria y Ferrari, enfatiza que aunque la construcción del primer coliseo es de 1673, su cédula de creación data nada menos que de 1553.2 Si tenemos en cuenta que “The Globe” de Londres es de 1559, no hay duda de que el interés de los hispanoamericanos por este arte era bien sobresaliente.

Aspectos literarios: la raíz.

Pero en todo caso ya es hora de aclarar que no se trata de raíces que sólo se refieren al folklore, al aspecto filológico del teatro, o a las manifestaciones rituales de estos pueblos. No; de ninguna manera: estamos hablando de verdadero teatro. Aunque muchas obras se han perdido o destruido intencionalmente, lo que nos queda es suficiente para comprender adónde habían llegado. Las breves piezas nahuatlacas que nos presenta Ángel María Garibay en su Historia de la literatura náhuatl, demuestran que [los aborígenes] eran asiduos al teatro, ya se tratara de obras de carácter histórico, cómico o de otros variados temas. En las treguas de las batallas en las principales cortes mexicanas se hacían representaciones entre los nobles. Es sutil una pieza del siglo XVI en la Corte del Rey Tecayehuatzin en Huexotzinco. El Monarca expresa su concepto de la amistad [en estos términos]: “Cual blanca flor fragante, la amistad se estremece, con albas plumas de garza está entretejida; en sus preciosas flores rojas y en sus ramas andan chupando miel reyes y príncipes.”3

Buena prueba de este teatro es entre los maya-quichés la tragedia El Rabinal Achí; o sea, El Barón de Rabinal. La obra durante siglos fue conservada por los indios, a hurtadillas de los españoles, hasta fines del siglo XVIII. El motivo para ocultarla es que en la misma aparecía el sacrificio humano. Después de todo el ceremonial, cuando el Barón de Quiché va a ser sacrificado, expresa el sentimiento de no fallecer en sus tierras: “Puesto que es necesario que yo muera, que yo desaparezca aquí bajo el cielo, sobre la tierra, no poder tornarme en esa ardilla, ese pájaro, que mueren sobre la rama del árbol, sobre el brote del árbol, en donde se procuraron su alimento, sus comidas, bajo el cielo, sobre la tierra.”4 Para luego con toda valentía aceptar el sacrificio.

En el Perú el drama “Ollantay” (nombre del protagonista) [presenta] la figura del guerrero más destacado del Imperio, quien se rebela en contra del Inca porque le niega la mano de su hija. En el monólogo de su desesperación, el Jefe se desahoga diciendo: “¡Ollantay! ¡Desdichado Ollantay! ¿Cómo te dejas abatir por aquél a quien tanto tiempo has servido, tú, el señor de tantos países? ¡Oh, Estrella de mi dicha; acabo de perderte para siempre! ¡Qué vacío siento en mi alma! ¡Oh, princesa mía! ¡Oh, Cuzco, la bella ciudad! Desde hoy seré tu enemigo implacable. ¡Abriré tu seno para arrancarte el corazón y arrojarlo a los buitres!” (“Ollantay”, Teatro indio…, p. 239)

Y sobre todo en la Tragedia del fin de Atu Palpa, obra que se estrenó en Potosí, Bolivia, en 1555, y que representa la voz de los vencidos después de la conquista. El manuscrito fue descubierto y traducido por el erudito y poeta Jesús Lara. La obra demuestra el alto desarrollo del arte teatral entre los incas. Es comparable a las tragedias griegas. En el momento de la muerte del Inca, el coro de las ñustas (mujeres y familiares del soberano) se lamenta dolorosamente como en un gritar de sus sentimientos alcanzando la hipérbole:

Todo, todo se estremece,

Inca mío, mi solo señor,

como nube de tempestad,

Inca mío, mi solo señor.

El torbellino se desata,

Inca mío, mi solo señor;

se desmoronan las montañas,

Inca mío, mi solo señor,

hay sangre en el agua del río.

Y un poco más tarde la propia hipérbole llega a un máximo de exageración:

Tu noble y varonil acento

Inca mío, mi solo señor,

estremecía al mundo entero,

Inca mío, mi solo señor,

tu inigualable poderío

Inca mío, mi solo señor,

hacía temblar hasta los montes.5

Aspectos literarios: el tronco.

Cuando llegan los españoles se habla con razón del conquistador conquistado, que se casa con la india y se integra a la sociedad criolla. Pues bien, con respecto a los dramaturgos pudiéramos decir lo mismo: el escritor conquistado. Hay dos casos bien notables: Fernán González Eslava, en el México del siglo XVI, y Juan del Valle y Caviedes, en el Perú del siglo XVII. No importa que el primero llegara de España a los veinticuatro años y el otro muy pequeño; lo cierto es que sus teatros están llenos de peruanismos y mexicanismos y maneras locales. Al  mismo tiempo, cada uno a su modo critica con gracejo la fanfarronería, la vanidad y la pretensión de algunos habitantes de ambas naciones. De Eslava, (en el entremés intercalado en el Coloquio XVI: Del bosque divino donde Dios tiene sus aves y animales) son las palabras:

HALAGÜEÑA: ¡Triste de mí! ¿Qué “Don” tiene, señor Cojín?

COJÍN: Don y aun redón, y si fuere menester, torondón haré a quien me enojare, que llenos tenemos los rincones del infierno de Dones, que no se hace caso de ellos.

REMOQUETE: Dice verdad el señor Don Cojín, que tres aposentos vide llenos de Dones hasta las vigas, y a mí me daban uno, porque me llamase Don Remoquete, y me dijeron que si había acá quien los comprase, que los darían baratos. Algunos Dones había mohosos.6

En Caviedes, en el Coloquio entre la vieja y Periquillo se presenta la misma ironía:

VIEJA: . . . . . . . . . . . .

Que en esta Babel tan solo

al contacto de la huella

se constituyen los sastres

en potentados de Grecia,

los calafates en condes,

duquesas las taberneras,

en príncipes los arrieros

y las gorronas en princesas.7

Hay harto que estudiar sobre las influencias lingüísticas de las principales lenguas precolombinas en el español que va mucho más allá del incluir el léxico de los nuevos productos o de las diversas costumbres y de tener en cuenta los cambios fonéticos. Precisamente un autor tan importante como Juan Ruiz de Alarcón nos da la oportunidad de señalar someramente algunos aspectos. Serge Denis en su tesis en La Sorbone La langue de Juan Ruiz de Alarcón señala peculiaridades al compararlo con autores españoles de la época sin tener en cuenta la influencia de la lengua náhuatl. Explica cómo [Ruiz de Alarcón] hace un uso peculiar de las formas reflexivas del verbo en función pasiva que debe estar influido, pensamos nosotros, por la voz media de la lengua mexicana. La elipsis del verbo es frecuentísima y en el náhuatl no existe el verbo ser con la significación que tiene en las lenguas indoeuropeas empleándose en su lugar expresiones formadas con adjetivos posesivos. Todo esto que se ha filtrado en las obras de Alarcón es completamente inconsciente. Hemos demostrado en otras ocasiones que la mexicanidad de Sor Juana Inés de la Cruz es tan consciente que llegó a escribir dos tocontines (piezas breves, especie de entremeses en lengua náhuatl). La de Alarcón se le escapa sin darse cuenta.

También las contaminaciones lingüísticas se dan en la zona de influencia africana: los yorubas, los congos, los lucumís, etc. En Cuba, Los negros catedráticos de Francisco Fernández Vilaros se estrenó el 31 de mayo de 1868 y tuvo un éxito rotundo. Demuestra el gran contraste entre Aniceto, negro “catedrático” (es decir, que simula una cultura que no tiene) y José, negro congo, no nacido en la isla y que habla un español peculiar. Aniceto lo acepta como marido de su hija porque es rico.

DOROTEA: (Agasajándolo. A José) ¡La virgen te envía, ilusión de mis ensueños, pensé morir sin volverte a ver! … ¿Y pudiste creer que yo te despreciaba? ¡Tonto! ¡Yo te quiero más que a mi vida!

ANICETO: (A José.) ¡Qué talento tiene la niña! Óigame, José, es usted muy pusilánime. ¡Usted no comprende las ramificaciones necesarias de un padre para averiguar quién es el hombre que le pide un pedazo de su corazón! Es menester someterlo a una prueba para conocer sus sentimientos: la prueba salió a medida de mis deseos. Ese lance de honor que con tanta prosopopeya llevó a efecto, me ha convencido que es usted un gerundio y que el otro no era más que un pretérito pluscuamperfecto del indicativo.

JOSÉ: (Riéndose) ¡Anjá! ¿Con que ya yo puee casá? ¡Anjá! ¿Toíta la mundo está contenta?

DOROTEA: Y yo sobre todo, caramelito de plátano, azuquita de mi corazón.

JOSÉ: ¡Tú so ma sabroso que tasajo!8

En los factores raciales el negro pintoresco que ya hemos señalado desemboca en el teatro bufo originado en Cuba y de gran influencia en la zona del Caribe. Por otra parte, el negro se presenta como motivo de protesta social en la obra El mulato del también cubano Marcelo Salinas, o con sentido de venganza en el Infierno Negro del ecuatoriano Demetrio Aguilera Malta. Pero lo negro va más allá de la filtración lingüística, va más allá del folklore y del rito. Lo negro produce el sincretismo en las creencias religiosas y permea el engendro cultural. Y sobre todo, en la Argentina con el aluvión inmigratorio de principios de siglo en Buenos Aires, el Conventillo de La Paloma de Alberto Vacarezza es el sainete más significativo con respecto al uso del lunfardo: jerga popular en donde se mezclan en el Conventillo (o casa de vecindad) expresiones con palabras que proceden del italiano, del gallego, del portugués y hasta del turco en una amalgama en que los barbarismos, y sobre todo los juegos de palabras, constituyen una parte de gran importancia.

El Teatro hispanoamericano incorpora a sus recursos expresivos no sólo la influencia lingüística de otras lenguas. Esto es del todo bien ostensible como acabamos de notar, pero incorpora también algo que penetra de manera mucho más sutil que son los matices estilísticos. Dos autores de primera categoría, el mexicano hijo de españoles Juan Ruiz de Alarcón, y el boliviano Franz Tamayo de pura sangre india, dan fe de esto. Cuando comparábamos en nuestro artículo sobre “La mexicanidad de Alarcón” las características de la lengua náhuatl establecida por la máxima autoridad de Ángel María Garibay, con la lengua de Alarcón, establecida por el estudioso Serge Denis, comprobamos que las coincidencias eran perfectas: ambas tienen la síntesis o consición, la claridad, el poder de darle a sus expresiones sugerencias, pero sobre todo vamos a citar lo que nos parece más importante con respecto a la creación literaria:

Con relación al uso de las metáforas Denis dice: “Ce jeu précieux oú la métaphore est toujours présente dépassera les contingentes terrestres”. Y resume: “…élément essentiel c’est la satire. Une métaphore pittoresque pourra renforcer le calembour” (La Langue, pp. 176, 225). Habla también de sus superlativos metafóricos y sus tendencias, por otra parte, a simbolizar los sentimientos. Garibay apuntará: “Los ejemplos podrían multiplicarse hasta el infinito. Muy propio de esta lengua es la expresión imaginativa a base de metáforas, y esto no es solamente en la poesía, sino en la más llana prosa.” Y todavía se siente en la necesidad de poder explicar mejor esta peculiaridad, y así nos dice: “Hay un procedimiento estilístico que he llamado ‘disfrasismo’, para poder referirme a él con facilidad y que consiste en aparear dos metáforas, que juntas dan el símbolo medio de expresar un solo pensamiento.” (Historia, pp. 18-19)

En cuanto al uso de las imágenes, escribe Denis: “Alarcón introduit un élément nouveau, ou bien il situe l’image.” Y además: “Alarcón tire une image son amentale rare. Cette image, très ‘amassée’: (La Langue, pp 278, 281). Por su parte, Garibay lo expresa así: “Hay que indicar también otro medio de expresión imaginativa, basado en la acumulación de imágenes.” (Historia, p. 19)9

Hay algo de mucha importancia: el modernismo hispanoamericano no se hubiera dado de ninguna manera con esa cantidad de riquezas expresivas sin la raíz india. Esto es incontrovertible. Y aquí se ha producido algo insólito: se ha negado el teatro modernista. Tal vez parte de esa confusión viene de algunos poetas de esa escuela [que], cuando escribían para el teatro, preferían acentuar las características de otras escuelas literarias. Tal vez… pero [de] lo que sí estamos seguros es que ciertas generalizaciones parten de la falta de un conocimiento profundo de este género entre nosotros. No sólo existe el teatro modernista, sino que tenemos un ejemplo magnífico para presentar con La Prometeida o Las Oceanides del indio universal boliviano Franz Tamayo. Toda la obra que testifica el teatro modernista, es la lucha de Psiquis por liberar a Prometeo. Significativas son las palabras de Apolo:

Pálida ninfa que tus rosas todas

de juventud, de gracia y de belleza

sembraste en el sendero de la altura.

¡Y eran gotas de sangre de tus plantas

que regaron raudales de tus ojos!

Es esta, oh Psiquis, la montaña ingente;

de aquí se mira la llanura inmensa.

¡Horizontes que siguen a horizontes,

lontananzas detrás de lontananzas!

Al clamor de un crepúsculo supremo,

muy lejos ya, a tus ojos se ilumina

del mar natal la costa blanca y fresca,

y el dulce despertar de tus mañanas.

¿Ves a un lampo irreal un mar de ensueño,

bajo un cielo espectral un mar fantasma?

¿Y oyes un canto mágico y distante

cual insonoro son que suena en sueños?

¡Es el pasado luminoso y yerto

que se levanta visional y agita

el lírico bailar de sus delfines

bajo el vuelo cantor de sus azores!

¡Es el pasado que revive efímero,

espuma o bruma que se esfuma en suma,

lampos y lampos de pasadas pompas,

rayo de luz fugaz tras de una nube

que forja leve alcázares y monstruos

para desvanecerse en polvo gris!

¡Es el pasado estéril, es tu vida

que huye veloz cual este sol poniente,

distante, muy distante, más distante.

¡Postrer adiós de fugitiva sombra

y último beso del dorado día!10

El teatro hispanoamericano frente al teatro universal.

Entre otros muchos testimonios de la secuencia del teatro hispanoamericano tenemos los del segundo tomo de Latin American Play Index que se publicó en 1983 en donde se demuestra que en Latinoamérica se había publicado la alta suma de 1700 obras de teatro los últimos 20 años [anteriores] (por supuesto que algunas de ellas escritas en portugués y francés). Esta información masiva no hay duda que tiene mucha importancia: demuestra el gran interés de todos estos autores. Pero nosotros queremos completar esta información mostrando, aunque sea con mucha brevedad, a los autores hispanoamericanos frente al teatro mundial para presentar su potente impacto de innovación y sus logros en general: El mexicano Juan Ruiz de Alarcón es el creador de la Comedia de Costumbres; el argentino Ventura de la Vega, el de la Alta Comedia; el también argentino Juan Cruz Varela alcanza la cumbre del teatro neoclásico en lengua española con sus obras Dido y Argía; la mexicana Sor Juana Inés de la Cruz nos da en El Divino Narciso el mejor auto mitológico escrito en lengua española; la cubana Gertrudis Gómez de Avellaneda, tomando elementos neoclásicos y románticos, se crea su propia técnica dramática y se adelanta al teatro psicológico y al de vanguardia: durante catorce años en Madrid ningún hombre puede igualarla en el éxito con el público y la calidad de sus obras; el uruguayo Florencio Sánchez, en la primera década del siglo XX, presenta los problemas familiares y los sociales con verdadera hondura en un teatro realista a veces algo naturalista y siempre personal y humano, lo mismo los hombres de la ciudad que los del campo, siendo entonces uno de los mejores representantes del teatro gauchesco.

Autores hispanoamericanos se anticipan a la moderna técnica del teatro dentro del teatro, como el boliviano Félix Reyes Ortiz con Plan de la representación, y el cubano José Martí en Amor con amor se paga, entre otras. Este procedimiento se impondría definitivamente con la obra del genial italiano Luigi Pirandello. Pero es que, además, los hispanoamericanos encuentran nuevas sendas en esta técnica: el autor rioplatense Vicente Martínez Cuitiño con El Espectador o la Cuarta Realidad cree que la obra tiene una primera realidad con los elementos sin concretar todavía en la mente del autor, una segunda cuando el autor la crea, la tercera al ponerla en escena los actores, y la cuarta al recibirla el público. El cubano José Cid en la Comedia de los Muertos nos presenta una obra en que los espíritus encarnan en los cuerpos de los actores para hacer su propia comedia y no la que el autor había pensado. El chileno Jorge Díaz, dentro de esta misma modalidad, en el Cepillo de dientes injertará los elementos del teatro del absurdo. Y retrotrayéndose al pasado remoto, el peruano Juan Ríos en Ayar Manco se hace eco de la leyenda de los hermanos Ayar, fundadores de la ciudad del Cuzco, y en un conjunto de historias y pasiones humanas, de motivos indios y acento universal, nos dice con un profundo sentido telúrico:

¡El alma del hombre es más profunda que los abismos de la Tierra, más tenebrosa que la noche, más enmarañada que la selva enmarañada! ¡Las uñas del vértigo lastiman los ojos que asoman a su hondura impenetrable!

Volvamos a la múltiple raíz y al inconmensurable tronco de ese teatro hispanoamericano. Al pensar en el tronco tenemos en cuenta no sólo la materia leñosa que lo forma, con las capas superpuestas, con la corteza cubierta por la epidermis, sino que tenemos en cuenta también la savia, el maravilloso jugo o sangre vegetal diremos nosotros, que asciende alimentando a las plantas.

El teatro, raíz y tronco, es la mayor concreción de artes que hay: Artes Plásticas, Música. Todo esto pudiera considerarse materia leñosa, cuyo jugo vital alentador sería la expresión que se expande, se aligera y se adorna en las formas de multígenas hojas en la expresión literaria.

El teatro hispanoamericano de raíz india y tronco polifacético, aparte del origen que se pierde en el pesado remotísimo, tiene la mayor diversidad que se haya producido en el teatro del mundo, el mayor complejo vivencial colectivo. Frondoso árbol más que milenario que se yergue olímpico. Tronco polifacético de ramas multicolores como una afirmación del ser y el hacer del mundo hispanoamericano, común potente engendro de nuestra energía estética, como un potente engendro de nuestra cosmovisión.

NOTAS

1- Guillermo Lohmann Villena. El arte dramático en Lima durante el Virreinato. Madrid: Artes Gráficas Evaristo San Miguel, 1945. Pág. 67.

2- Enrique de Olavaria y Ferrari. Reseña histórica del teatro en México (1538-1911). Tercera Edición. México: Ed. Porrúa, S.A., 1961. Vol. 1, pág. 14.

3- Angel María Garibay. Historia de la Literatura Nahualt. Segunda edición. Tomo I, Primera parte. México: Ed. Porrúa, S.A., 1971.

4- José Cid Pérez & Dolores Martí de Cid. “El Barón de Rabinal”. Teatro indio precolombino. San Juan, PR: Cultura Puertorriqueña, Inc., 1985. Pág. 197.

5-  - - -. “La tragedia del fin de Atau Walpa” , Teatro indoamericano colonial. Madrid: Aguilar, 1973. Págs. 182-183.

6- Fernán González de Eslava. Coloquis espirituales y sacramentales. Tomo I. México: Ed. Porrúa, S.A., 1958. Pág. 234.

7- Juan del Valle Caviedes. Obras de Juan del Valle Caviedes. Vol. I. Lima: Clásicos Peruanos, 1947. Pág. 89.

8- Francisco Fernández Vilaros. “Los negros catedráticos”. En: Rine Leal, Teatro bufo siglo XIX. La Habana: Arte y Literatura, 1975. Pág. 152.

9- Dolores Martí de Cid & José Cid Pérez. “La mexicanidad de Juan Ruiz de Alarcón”. Homage to Harvey L. Jonson. Potomac, Maryland: Porrúa Turanzas, 1979. Pág. 68.

10- Franz Tamayo. “La Prometheida o Las Oceánides”. Tragedia lírica. La Paz: Ed. Don Bosco, 1948. Págs. 166-167.

11- Juan Ríos. Ayar Manko Lima: Casa de la Cultura del Perú, 1963. Pág. 53

Dolores Martí de Cid (1916-1993), nuestra Ex Presidente Nacional, fue reconocida ensayista y crítica literaria del teatro hispanoamericano. Fue profesora de la Universidad de La Habana y de Purdue University, en Indiana (EE.UU.), de la que llegó a ser Profesora Emérita. Fue invitada a dictar cursos sobre literatura hispanoamericana en la Universidad de Roma. También disertó sobre teatro hispanoamericano en las universidades de Honduras, Costa Rica, Colombia, Ecuador, Bolivia y Chile. Fue editora de Teatro Cubano contemporáneo publicado por Aguilar en Madrid, (dos ediciones) y fue coautora con su esposo, el Dr. José Cid Pérez, de Teatro Indoamericano colonial, considerado por la crítica hispana como un clásico sobre esa materia. La Dra. Cid Pérez publicó intensamente en muy acreditadas revistas literarias de Hispanoamérica, Estados Unidos y Europa, y fue por varios años editora consultante de la Enciclopedia del Espectáculo de Italia y de la Enciclopedia Británica.


Este trabajo fue originalmente publicado en Círculo: Revista de Cultura, Vol. XXI, Año 1992, Páginas 151-162.
Fuente de la información: http://www.circulodeculturapanamericano.org/estudios_sub_pgs/EL%20TEATRO%20HISPANOAMERICANO.htm
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